1   Music  has  adapted  and  grown  with  the  advancement  of  technology  and  the   addition  of  new  and  improved  instrumentation.  Instruments  are  being  used  now  in   ways  never  thought  possible  before.  Rules  in  music  are  meant  to  be  broken,  which  is   what  makes  it  so  unique.  Musicians  stretch  the  boundaries  with  not  only  what  they   play  but  how  they  play,  their  style  as  well.  They  are  crossing  genres,  mixing   techniques,  and  turning  their  sound  into  something  entirely  new.  Artists  stretch  the   boundaries  everyday  and  one  way  they  do  is  by  performing  songs  in  different   genres,  combining  the  two  extremes,  in  doing  so  they  create  a  whole  new  sound.     Most  popular  music  today  is  played  with  an  entire  band,  utilizing  a  drummer,   bassist,  pianist,  guitarist,  vocalist,  and  more.  With  all  those  different  instruments   there  are  a  variety  of  sounds  that  can  be  created  and  utilized.  There  are  even  sounds   that  can  be  electronically  produced  to  achieve  a  certain  effect.  When  listening  to   remixes  and  covers  of  popular  songs,  artists  recreate  the  original  while  putting  their   own  spin  on  the  song,  whether  that  be  adding  parts,  taking  away  notes,  or  changing   the  arrangement  into  something  entirely  different.  One  way  to  change  the  timbre  of   the  song  is  to  play  all  the  parts  of  the  song  on  one  instrument.     1.  The  Solo  Act   Taking  a  song,  breaking  down  each  part,  and  altering  it  into  something  that   can  be  played  on  one  instrument  can  completely  change  the  sound  of  the  song.  First,   you  must  break  down  each  instrument’s  original  part  and  make  sure  that  each  part   is  in  the  range  of  the  instrument,  changing  any  notes  if  needed.  A  tricky  part  can  be   figuring  out  how  to  get  similar  sounds  of  the  various  instruments  like  drums  only  on       2   one  instrument.  In  order  to  achieve  the  desired  sound  the  musician  may  need  to   play  their  instrument  in  an  unconventional  way.  For  instance,  I  have  seen  videos  of   street  violinists  playing  every  part  to  a  song  on  their  violin,  which  included  hitting   the  strings  or  body  of  the  instrument  with  their  hand  in  order  to  achieve  the  drum-­‐ like  sounds.  Anything  is  possible  as  long  as  you  are  not  damaging  the  instrument  in   any  way.  Playing  on  one  instrument  gives  the  song  a  whole  new  sound  and  appeals   to  a  wider  audience.     I  decided  to  play  the  song  “Viva  la  Vida”  by  Coldplay  on  one  instrument   because  when  the  song  came  out  in  2008  I  listened  to  it  all  the  time,  it  was  easily  a   favorite  of  mine.  I  had  bought  a  guitar  book  with  the  music  and  learned  how  to  play   the  melody  on  my  guitar.  I  have  kept  the  book  all  these  years  and  decided  to  relive   the  song’s  glory  and  learn  how  to  play  it  one  more  time  but  with  a  better   understanding  of  music  theory  and  history.  Learning  every  part  to  a  song  and  being   able  to  put  it  together  on  only  one  instrument  has  its  challenges.  It  takes  time  and   rhythms  that  may  have  sounded  good  on  the  original  song  may  not  sound  the  same   on  this  new  version  with  only  one  instrument.  On  the  other  hand,  different  parts   may  need  to  be  added  to  achieve  a  desired  sound  found  on  the  original.     Playing  one  instrument  also  limits  the  number  of  musicians  needed.  It  is   easier  to  be  a  solo  act  than  to  have  to  schedule  around  multiple  other  musicians.  It   also  gives  solo  acts  another  audience  to  appeal  to;  for  violinists  and  string   performers  in  general,  classical  style  has  been  the  music  of  choice.  Playing  modern   songs  opens  up  a  whole  new  genre  and  audience.  It  broadens  the  horizon  for   performers  and  keeps  them  up  to  date  on  what’s  popular  today.  More  and  more       3   artists  are  branching  out  and  leaving  their  groups  to  become  a  solo  act.  They  will   continue  to  have  some  of  the  fan  base  they  originally  had  but  will  gain  a  wider   audience  with  this  new  sound  of  being  a  solo  act.     Classical  instruments  are  making  a  comeback  with  more  and  more  artists   using  them  in  their  songs.  Country  artists  like  Carrie  Underwood,  Rascal  Flatts,  and   Keith  Urban,  to  name  a  few,  have  used  fiddle  players  in  their  recent  songs.  In   February  of  2016  I  was  able  to  attend  the  Carrie  Underwood  concert  at  PPG  Paints   Arena.  During  her  performance  she  introduced  each  of  her  band  members;  one  was   a  back-­‐up  singer  and  fiddler.  I  was  unable  to  take  my  eyes  off  of  the  fiddle  player  all   night.  The  fact  that  people  can  actually  do  that  as  a  profession  and  make  money  is   incredible.  If  I  focused  more  on  performing  over  the  years  I  would  have  wanted  to   have  that  job,  to  be  able  to  perform  on  stage  and  to  experience  it  all.  Watching  that   performance  presented  me  with  a  new  outlook  on  string  instruments  in  popular   music  and  pushed  me  even  further  to  learn  how  to  accomplish  that.  It  helped  me  to   take  the  leap  and  purchase  an  electric  violin,  pushing  me  one  step  further  to  being   able  to  play  that  style  of  music.       2.  Breaking  the  Boundaries     When  starting  out  most  string  musicians  are  classically  trained  and  from   then  on  they  can  branch  out  and  learn  other  styles  of  music.  They  are  not  usually   taught  to  play  popular  songs.  The  style  of  music  that  one  would  expect  violinists  to   perform  is  music  that  follows  the  rules  found  in  music  theory.  This  style  helps       4   musicians  to  learn  the  different  scales  and  note  values  that  are  there.  Today’s  music   is  all  about  breaking  boundaries  and  classically  trained  musicians  are  no  strangers   to  the  idea,  they  are  using  the  technology  at  hand  and  performing  songs  outside  of   their  comfort  zone.   Several  artists  are  using  fiddlers  in  their  songs  and  this  is  bringing   traditionally  classical  instruments  back  into  the  spotlight  and  bringing  a  new   audience  along  too.  People  who  go  and  see  these  musicians  perform  live  with   fiddlers  find  a  new  appreciation  for  the  sound  and  want  to  learn  more.  It  is  not  only   fiddle  players  but  also  stringed  instruments  in  general;  cellos  are  being  used  more   often  as  well  as  the  string  bass.  Infusing  modern  music  with  classical  instruments  is   creating  a  new  genre  for  the  instruments  to  grow  along  with  the  help  of  modern   technology.     Electric  violins  and  cellos  were  not  very  common  until  recently  and  now  they   are  used  all  over  the  world.  The  electric  violin  first  came  out  in  the  1930’s  and  had  a   megaphone  attached  to  the  body  of  the  instrument.  In  the  1940’  s-­‐1950’s  the  electric   violin  had  a  DeArmond  attached  to  it,  which  was  similar  to  attaching  a  microphone   to  the  violin.  It  was  not  until  the  1960’s  when  the  electric  violin  saw  the  rise  of  rock   that  the  first  solid  body  electric  violin  was  produced  (Prato,  2016).  Today,  people   post  videos  daily  of  themselves  playing  on  their  electric  violins.  Making  the   instruments  electric  provides  a  whole  new  spectrum  for  playing.  Now  musicians  can   hook  up  to  an  amp  to  amplify  their  sound,  they  can  alter  it  using  pedals,  thus   creating  a  whole  new  sound.       5   An  example  of  this  phenomenon  in  action  is  the  group  2Cellos,  comprised  of   two  young  Croatian  cellists  Luka  Sulic  and  Stjepan  Hauser  who  have  taken  the  world   by  storm  with  their  vast  repertoire  and  unique  style  of  performance.  They  play   anything  from  the  classics  like  Bach  and  Vivaldi  to  AC/DC.  I  stumbled  upon  their   version  of  Michael  Jackson’s  “Smooth  Criminal,”  which  brought  them  to  fame  in   2011.  They  have  since  performed  on  several  television  series  like  Glee  and  the  Ellen   DeGeneres  Show.  Their  main  focus  is  on  live  performance  and  have  sold  out  tours   across  the  U.S.  and  more.  Sulic  and  Hauser  have  won  individual  awards  and  have   worked  along  side  widely  renowned  musicians  who  have  helped  mold  them  into  the   duo  they  are.  Over  the  years  they  have  collaborated  with  numerous  artists  and  have   released  a  couple  albums,  which  charted  high  on  the  classical  and  crossover  charts   (Biography).  Their  style  of  playing  the  cello  has  brought  classical  instruments  and   classical  elements  to  the  forefront  of  popular  music  today.     Popular  music  is  changing;  it  is  not  what  it  used  to  be  in  the  past  nor  is  it   today  what  it  will  be  in  the  future.  Music  is  constantly  changing  with  new  musicians   being  discovered,  new  sounds  being  created,  and  new  technology  emerging.  Music   adapts  to  the  time  and  what  is  popular  now  will  no  longer  be  popular  in  ten  years  so   it  must  adapt,  it  must  change.  The  slightest  change  can  make  a  huge  difference.  The   popularity  of  different  genres  come  and  go  but  music  remains  on  the  forefront.     3.  Crossover  Music         6   Crossover  music  that  has  emerged  with  roots  from  a  mix  of  two  or  more   existing  genres  has  become  more  prominent  and  is  gaining  a  wider  audience.  Some   examples  of  this  genre  are  classical  crossover,  country  crossover,  Latin  crossover,   and  Christian  crossover.  What  qualifies  music  into  the  crossover  genre  is  appealing   to  different  types  of  audience  by  appearing  on  multiple  record  tracks  of  the  different   musical  styles.  “Crossover  music  is  the  elephant  in  classical  music's  narrow  living   room.  It  takes  up  an  awful  lot  of  space,  nobody  quite  knows  what  to  do  with  it,  and   most  people  see  only  a  piece  of  the  whole”  (Midgett).  Classical  crossover  occurs   when  a  classically  trained  artist  performs  a  modern  song  but  may  also  refer  to   popular  musicians  performing  pieces  in  a  classical  manner.  The  classical  side  may   contain  operatic  elements  or  symphonic  melodies  while  the  popular  side  contains   rock  elements,  Latin  influences,  pop,  and  so  on.     Cover  songs  fall  into  this  category  of  crossover  music.  By  definition  a  cover   song  is,  “a  recording  of  a  song  by  a  singer,  instrumentalist,  or  group  other  than  the   original  performer  or  composer”  (Cover  version).  For  example,  when  a  violinist   makes  a  cover  of  a  popular  song  that  is  considered  part  of  the  crossover  genre.  Also,   when  a  popular  artist  creates  a  cover  of  an  originally  classical  piece  that  is   considered  crossover.  The  crossover  genre  is  made  up  of  cover  songs  but  there  are   songs  that  originate  in  this  genre  as  well.  The  crossover  genre  is  a  mix  of  original   music  as  well  as  cover  songs.  Classically  trained  artists  may  start  to  perform  original   work  that  falls  under  the  category  of  popular  music  while  they  may  also  choose  to   perform  cover  songs.  The  same  can  be  said  for  musicians  in  popular  music,  both  are       7   forms  of  classical  crossover.  Cover  songs  fall  under  the  genre  of  classical  crossover   but  not  all  the  songs  considered  to  be  classical  crossover  are  cover  songs.   This  subgenre  started  gaining  popularity  in  the  1990’s  and  even  acquired  its   own  Billboard  chart.  Aiding  in  the  popularity  of  this  subgenre  is  the  use  of  the  music   in  films,  advertisements,  and  even  in  sporting  events.  Classical  artists  that  fall  under   this  category  perform  popular  music  such  as  Broadway  show  tunes.  Television   shows  like  America’s  Got  Talent  or  Britain’s  Got  Talent  have  produced  a  wide   variety  of  acts  including  crossover  musicians  and  have  helped  gain  the  popularity  in   this  certain  style  of  music  (Classical  Crossover  Music  Genre  Overview).  From  these   shows  we  have  gained  musicians  like  Susan  Boyle  and  Jackie  Evancho  who   exemplify  the  crossover  genre.   I  became  fascinated  with  music  at  a  young  age;  I  was  always  listening  to   music.  When  the  opportunity  arrived,  I  jumped  at  the  chance  to  learn  how  to  create   music,  and  to  learn  how  to  play  an  instrument.  I  was  only  ten  when  I  carefully  chose   the  viola;  I  adored  the  sound  of  the  strings  including  the  thickness  of  the  lower   strings.  I  have  always  been  fascinated  with  string  instruments,  not  only  the  viola,   but  also  the  smooth  sound  of  the  cello  and  the  high  pitches  found  on  the  violin.  In   the  past  I  would  watch  street  performers  and  see  them  playing  electric  versions  of   these  classical  instruments.  Watching  these  performances,  along  with  how  I  was   brought  up  in  a  musical  household  was  what  helped  shape  and  mold  me  into  the   musician  I  am  today.  I  decided  to  pursue  music  and  try  to  make  a  living  out  of  it   because  of  the  moments  I  was  exposed  to  growing  up,  from  singing  in  the  church   choir,  to  performing  on  stage,  I  wanted  to  continue  this  passion  of  mine.  I  have  been       8   playing  the  viola  for  twelve  years  now,  while  taking  private  lessons  and  playing  in   local  ensembles  as  well.  The  viola  is  my  main  instrument  and  my  true  passion  in   music  and  life.     Recently  I  have  stumbled  upon  musicians  like  Lindsay  Stirling  and  the  group   Pentatonix  who  utilize  an  electric  violin  and  a  cello  respectively.  I  had  seen  multiple   videos  of  musicians  playing  electric  violins  and  this  prompted  me  to  buy  my  five   string.  Lindsey  Stirling  has  made  a  lasting  impact,  while  she  is  not  only  a  musician   but  a  dancer  and  composer  as  well.  She  plays  popular  music  covers  on  her  violin  as   she  dances.  She  performs  in  live  settings  as  well  as  in  music  videos  on  her  YouTube   channel.  She  plays  a  wide  variety  of  genres  including  electronic,  classical  dub  step,   and  crossover.  She  started  gaining  popularity  in  2007  and  has  since  performed  with   Pentatonix,  Tyler  Ward,  Christina  Perri,  and  more  (About).  Lindsey  is  breaking  the   boundaries  of  violinists  everywhere;  she  is  proving  that  the  violin  is  a  versatile   instrument.  It  can  play  whatever  genre  of  music  the  musician  wishes  to  perform.   Music  is  a  form  of  expression  and  should  not  hold  back  the  musician.   Making  their  debut  on  NBC’s  hit  television  show  the  Sing  Off,  winning  that   season,  receiving  the  cash  prize,  and  a  recording  contract  with  Sony  Music  is  the   group  Pentatonix.  They  are  an  acapella  group  from  Arlington,  Texas.  Ever  since  they   won,  they  have  had  multiple  television  appearances  and  performed  on  several   stages  all  over  the  U.S.  They  found  their  percussionist,  Kevin  Olusola,  online  from  his   beat  boxing  and  cello  videos.  He  would  play  a  piece  on  the  cello  while   simultaneously  beat  boxing.  In  some  of  their  recent  videos  they  utilize  the  cello   playing  and  it  sounds  beautiful  with  their  voices.  The  group  is  a  mixture  of  hip-­‐hop,       9   pop,  classical,  reggae,  electro,  and  dub  step  giving  them  a  wider  range  of  an  audience   (Pentatonix  Official  Website).  They  not  only  dabble  in  classical  crossover  but  several   other  genres  as  previously  mentioned.  Pentatonix  shows  how  diverse  a  group  can   be  and  how  all  music  is  relatable.     After  watching  multiple  videos  online  and  seeing  these  musicians  perform  on   television  I  decided  to  purchase  a  five  string  electric  violin  along  with  an  amp.   Seeing  other  musicians  perform  like  this,  I  always  wanted  to  give  it  a  try  but  never   had  the  right  tools  to  execute  it.  I  have  never  played  the  violin  before  but  I  only  had   to  learn  one  string,  the  high  E  string.  The  difficult  part  was  adjusting  to  the  spacing   between  the  strings.  Adding  one  string  from  four  to  five  makes  a  huge  difference.   The  neck  of  the  instrument  is  wider  and  the  strings  are  not  necessarily  further  apart   but  as  a  whole  you  have  a  wider  range  of  motion  to  play.  Now,  with  one  instrument,   I  could  play  a  greater  range  of  music  with  all  the  high  notes  I  have  wanted  to  play   while  still  maintaining  the  low  end  as  well.  As  I  started  my  journey  of  picking  a  song,   dissecting  it,  and  breaking  down  each  part  to  then  learn  on  the  violin,  I  began  to   realize  just  how  difficult  this  process  was  going  to  be.     After  practicing  a  while  on  the  violin  I  was  comfortable  enough  to  tackle  the   song,  “Viva  la  Vida”  by  Coldplay.  As  I  began  to  learn  all  the  parts  I  ordered  a  basic   loop  pedal  with  the  intent  to  loop  each  part  on  top  of  one  another  for  the  recording.   I  began  with  the  piano  music  and  learned  the  music  in  chunks,  like  any  other  piece   of  music.  When  it  came  time  to  learn  the  chords  I  used  the  loop  pedal  to  play  the   melody  over  top  of  them.  Looking  through  the  entire  piece  I  began  to  question  how   the  loop  pedal  would  be  effective  when  the  chord  progression  changed.  Another       10   challenging  aspect  was  getting  the  timing  exact  with  the  pedal  and  each  individual   part.  I  decided  to  not  use  the  loop  pedal  and  instead  layer  the  tracks  on  top  of  each   other  in  ProTools.  Overall,  this  would  be  easier  and  would  sound  better  than   rushing  and  trying  to  hit  the  pedal  at  the  exact  moment  while  still  keeping  the  piece   going.  After  writing  out  the  different  parts,  to  make  it  easier  to  read  while  practicing,   I  recorded  the  song  along  with  the  help  of  Jacob  Urbanek,  a  fellow  Commercial   Music  Technology  major.   The  week  prior  to  recording  I  listened  to  several  different  versions  of  the   song,  just  to  see  the  different  paths  people  took.  Trying  to  get  the  song  better  into   my  head,  I  listened  to  everything  from  a  one-­‐man  band  performing  “Viva  la  Vida”  to   2Cellos  performing  it  live,  as  well  as  various  other  ensembles  (DavidGarrettVEVO).   Inspired  by  the  choices  others  made,  I  was  ready  to  start  creating  my  own  rendition   of  the  song.  When  it  came  time  to  record  I  got  my  violin  ready  along  with  my  viola,   planning  to  try  both  and  see  which  one  worked  best.  The  viola  would  have  a  fuller   and  deeper  sound  with  the  hollow  body  while  the  violin  would  rely  on  the  amp.  I   had  been  practicing  the  music  on  both  instruments  in  anticipation  of  the  recording   process.  No  longer  using  the  loop  pedal  but  layering  the  tracks  in  ProTools  would   only  require  us  to  record  small  sections  and  repeat  them  for  the  different  sections  of   the  song.  ProTools  is  the  industry  standard  software  for  recording  and  what  is  used   in  our  studio  in  Gallagher  Hall.  It  is  a  digital  audio  workstation  software  that  allows   users  to  record  sound,  edit,  and  manipulate  it  for  production  purposes.  To  get  a   well-­‐balanced  sound  Jake  set  up  two  pencil  microphones  in  an  X/Y  pattern  to  get  the   room  noise  as  well  as  a  closer  microphone,  a  KSM32,  pointed  towards  the  f  holes  of       11   my  viola.  An  X/Y  pattern  is  when  the  microphones  are  placed  one  on  top  of  the   other,  forming  an  X  with  their  capsules  placed  as  close  as  possible.  The  microphones   are  placed  in  the  center  facing  the  sound  source  panned  left  and  right.  Being  more   comfortable  on  the  viola,  I  was  able  to  play  all  the  notes  easily  with  just  needing  to   shift  into  higher  positions  on  the  strings.  Changing  my  instrument  did  not  change   my  overall  idea  of  performing  a  song,  originally  meant  for  a  full  band  to  one   instrument.  If  I  had  more  time  to  perfect  using  a  loop  pedal  I  would  have  preferred   to  go  that  route  but  I  was  pleasantly  surprised  at  the  quality  I  was  able  to  get  on  my   viola.   We  recorded  the  song  in  sections,  by  breaking  it  up  into  the  intro,  verse,   chorus,  and  interlude.  Breaking  it  up  made  it  easier  to  layer  the  sections;  for   instance  the  intro  is  a  four-­‐measure  rhythm  that  is  repeated  and  played  throughout   the  majority  of  the  song.  We  recorded  those  four  measures  and  looped  them  to  play   throughout  the  entire  song  first.  Then  we  moved  to  the  first  verse,  took  a  few  takes   and  went  with  the  best  version.  The  second  and  third  verses  are  similar  with  the   same  notes  and  rhythms  just  with  different  lyrics.  Therefore,  I  only  needed  to  record   that  section  once  and  just  copy  it  for  the  third  verse.  I  did  the  same  with  the  chorus.  I   played  it  a  few  times,  went  with  the  best  take  and  copied  it  wherever  needed.  To  add   more  parts  we  decided  to  overlap  the  background  rhythm  with  the  section  towards   the  end  of  the  song,  in  the  interlude,  where  the  lyrics  are  repeated  “oh”  (Coldplay).   Adding  this  counter-­‐rhythm  breaks  up  the  constant  background  chords  heard   repeated  throughout  the  song.  The  whole  recording  process  took  about  two  hours;   Jake  did  the  post-­‐production  work  as  well,  he  mixed  and  mastered  the  recording.       12   This  project  is  the  first  cover  song  I  have  ever  created.  I  have  tried  to  turn   poems  into  songs  but  that  process  is  challenging.  It  is  much  easier  to  create  a  cover   of  a  song,  finding  a  song  you  enjoy  and  making  your  own  rendition  of  the  song  is   simple  in  comparison.  Creating  a  cover  song  gives  musicians  a  chance  to  take  a  song   that  has  already  been  created  and  turn  it  into  something  new.  For  example  if  ten   musicians  would  individually  make  a  cover  song  using  the  same  original  song,  all   ten  covers  would  turn  out  differently.  It’s  surprising  all  the  different  opinions  people   have  on  the  same  thing.  One  musician  may  think  to  add  a  counter  melody  while   another  may  want  to  add  an  instrumental  section;  it  all  depends  on  each  person’s   point  of  view  of  the  song.     4.  Limitations   My  original  idea  has  changed  multiple  times  throughout  this  whole  process   but  my  objective  has  remained  the  same.  My  plan  to  perform  an  entire  song,   originally  meant  for  a  full  band,  on  one  instrument  was  accomplished.  I  hit  a  few   bumps  in  the  road  but  have  adapted  and  am  satisfied  with  the  outcome.  One  aspect  I   did  not  account  for  was  the  various  sounds  of  the  drums.  To  try  and  articulate  every   different  type  of  sound  a  drum  kit  can  make  on  another  instrument  is  challenging.   One  must  incorporate  not  only  the  snare  and  bass  drum  sound  but  also  account  for   the  high  hats  and  cymbals.  It  was  tricky  to  try  and  figure  out  how  to  achieve  the   necessary  sounds  for  the  song.  If  I  were  to  do  this  all  over  I  would  have  given  myself   more  time  to  mess  around  and  see  how  to  produce  the  vast  sounds  of  the  drum  set   on  a  violin.       13   The  next  time  I  try  something  similar  to  this  concept,  of  taking  a  song  and   playing  each  instrument’s  part  on  a  single  instrument,  I’d  like  to  add  my  own  style  to   it  was  well.  This  time  around  I  was  more  focused  on  getting  the  necessary  notes  and   less  focused  on  adding  additional  rhythms.  The  addition  of  new  rhythms  can  make   the  song  standout  in  a  way  that  it  did  not  before.  These  new  rhythms  can  accent  a   certain  section  or  help  bring  a  section  to  life.  The  more  layers  to  a  song  the  better.   Taking  apart  each  part  to  a  song  and  playing  it  on  one  instrument  can  get  tedious   with  similar  sounds.  Adding  more  layers  helps  breakup  the  notes  and  gives  the  song   intricate  rhythms  and  different  sounds  to  listen  for.  For  instance,  on  the  violin  the   musician  can  use  their  bow  on  the  strings  giving  this  broad  sound.  They  could  also   pluck  the  strings  with  their  finger  and  give  a  hard  and  distinct  sound.  Another  way   of  getting  noise  out  of  a  violin  is  to  tap  the  neck  or  body  of  the  instrument.  If  I  had   taken  more  time  to  figure  out  all  the  different  methods  of  producing  sound  on  a   violin  then  my  version  of  “Viva  la  Vida”  would  have  been  more  unique.   In  the  future  I  plan  to  utilize  my  loop  pedal  more  often  and  to  get  accustomed   to  performing  with  it.  This  was  the  first  time  I  tried  to  perform  with  the  loop  pedal   and  I  was  not  as  accustomed  to  using  it.  Giving  myself  more  time  to  practice  using   the  pedal  I  hope  to  be  comfortable  performing  with  it  in  the  near  future.  I  hope  to   continue  this  process  of  breaking  a  song  down  and  performing  it  on  one  instrument.   I  like  the  sound  it  gets  and  the  fact  that  a  single  person  can  play  an  entire  song  by   looping  each  part  on  top  of  the  other  amazes  me.  Overall  this  song  was  a  great   option  to  choose  for  this  project.  With  music  constantly  changing  and  adapting  to   the  times,  musicians  need  to  stay  up  to  date  with  the  latest  trends  in  order  to       14   maintain  an  audience.  The  crossover  genre  has  made  a  huge  impact  on  today’s   music  and  will  continue  to  impact  music  in  the  future.                                                 15   Works  Cited   "About."  Lindsey  Stirling.  N.p.,  n.d.  Web.  28  Feb.  2017.   "Biography."  2CELLOS.  N.p.,  n.d.  Web.  28  Feb.  2017.   "Classical  Crossover  Music  Genre  Overview."  AllMusic.  N.p.,  n.d.  Web.  28  Feb.   2017.   Coldplay.  Viva  La  Vida  (CD).  Coldplay.  Cm  Capitol,  2008.  CD.   "Cover  version."  Dictionary.com.  Dictionary.com,  n.d.  Web.  02  May  2017.   DavidGarrettVEVO.  YouTube.  YouTube,  12  Feb.  2013.  Web.  28  Feb.  2017.   Midgett,  Anne.  "'Classical  crossover':  A  label  not  necessarily  to  be  feared."   The  Washington  Post.  WP  Company,  03  Oct.  2010.  Web.  06  Mar.  2017.   "Pentatonix  Official  Website."  Pentatonix  Official  Website.  N.p.,  n.d.  Web.  28   Feb.  2017.   Prato,  Greg.  "The  History  of  the  Electric  Violin."  Reverb.com.  N.p.,  22  Aug.   2016.  Web.  02  May  2017.